Lorsque l’on dessine des poses statiques, on risque d’obtenir des personnages trop rigides.
Afin de réaliser une position naturelle, telle que celle-ci
j’utilise souvent une petite astuce qui pourrait vous être utile aussi.
Commencez en dessinant un brouillon de votre squelette, comme cela :
Ensuite, tracez deux lignes obliques à la hauteur des épaules et du bassin. L’une des deux lignes doit monter et l’autre descendre. L’important, c’est que les deux lignes ne soient pas parallèles.
Ensuite, modifiez et dessinez le reste du corps de façon à ce que les épaules et le bassin suivent les lignes que vous avez tracées.
Pour réaliser cette ombre on a laissé sécher les couleurs
Dans la première partie du tutoriel on a vu comment réaliser la peau en mélangeant les couleurs encore fraîches. Cependant, on peut également obtenir des effets intéressants en laissant sécher la couleur.
Cela nous permet d’obtenir des ombres plus nettes (comme dans la photo sur la gauche), mais non seulement. Alors que dans la première partie du tutoriel nous avons d’abord créé une couche de couleur et ensuite rajouté les ombres, il est possible de faire l’envers.
Le même procedé est utilisé pour la main du garçonOn peut commencer par les ombres et ensuite rajouter de la couleur
En effet (photo sur la droite), on peut aussi commencer avec les ombres et rajouter d’autres couches de couleur par la suite. C’était ce que l’on avait fait pour la peau du garçon, en rajoutant une couche de E00 pour atténuer le contraste de la peau. Ici, nous avons fait la même chose pour réaliser la main de la fille : nous utilisons la même couleur (E00), mais nous commençons par les ombres pour y superposer par la suite une autre couche plus large. Ainsi, nous obtenons des ombres sans changer de feutre. En laissant sécher la couleur, vous obtiendrez des ombres plus nettes.
Une couleur plus vivace pour les jouesNous utilisons la même couleur pour les lèvres
Il ne faut pas oublier que les illustrations perdent en saturation une fois numérisées. Ainsi, si vous voulez ajouter des nuances, par exemple du rose pour les joues, n’hésitez pas à utiliser une couleur bien vive. Ici, nous avons utilisé une couleur de la gamme Rafin de faire ressortir les joues. Si la couleur de base est déjà sèche et que vous ne voulez pas que ces éléments se détachent trop du reste de la peau, vous pouvez passer du blender avant ou une autre couche légère avec la couleur de base (dans ce cas, E00). Vous pouvez également l’utiliser après, afin de mieux mélanger les couleurs. Dans les deux cas, une autre couche de couleur rendra la peau plus saturée et sombre, donc faites attention à ne pas exagérer.
Voilà le résultat de ces deux tutoriels sur la peau. N’hésitez pas à tester plusieurs façons de colorer et de mélanger ces feutres. Bon courage !
La première étape pour la coloration, une fois le dessin fini, c’est de l’encrer et d’en faire une copie (photocopieuse laser) sur une feuille adaptée. Vous pouvez aussi l’encrer directement sur la feuille à l’aide de feutres spécialisés (plus d’informations). Il est important de choisir un bon support, car autrement la couleur pourrait s’étaler sur la feuille ou emporter une partie d’encre et tacher votre feutre. Une fois votre dessin encré, procédez à un test des couleurs. En effet, les bouchons des feutres ne représentent pas toujours fidèlement les couleurs et ces dernières changent une fois sèches. De plus, effectuer ce test rapide vous permettra aussi de choisir les bonnes couleurs à associer : certaines couleurs ne se mélangent pas trop bien et on peut avoir l’impression que l’une « mange » un peu l’autre. Ainsi, il vaut mieux essayer avant de colorer sur la bonne feuille. Vous pouvez également reproduire votre dessin en petit pour choisir les tonalités générales de l’illustration. Ici, nous avons choisi des tonalités E (earth) pour la peau, mais vous pouvez aussi mélanger la base E (par exemple l’E50) avec des tonalités R(red) plus foncées (R00, R11, YR00) afin d’obtenir un visage plus rose.
Couvrez la partie du dessin que vous voulez colorer avec le blender
La coloration de ce dessin a été faite en plusieurs étapes : une nuance de base créée lors que la couleur était encore fraîche et des ombres plus nettes ajoutées une fois la couleur séchée.
Afin d’obtenir une belle nuance pour la peau, il vaut mieux séparer le corps en plusieurs parties : en effet, cela permet d’avoir toujours une couleur fraîche. De plus, vous pouvez commencer avec une base de blender. Ce feutre incolore vous permet d’avoir une base humide sur laquelle étaler votre couleur, pour un résultat plus homogène et des nuances vers le blanc (attention, lorsqu’il est humide le blender peut sembler gris, mais cette couleur disparaîtra par la suite). C’est ce que nous faisons ici, car le blanc est une composante essentielle dans la coloration en stile manga.
Une couche de couleur claire et ensuite une couleur sombre
Une fois la couche de blender préparée, nous commençons tout de suite à colorer notre visage. Pour ce faire, nous avons tout d’abord établi la direction et la source de la lumière (très important, les ombres ne doivent pas être casuelles). Ensuite, nous avons utilisé la pointe pinceau du feutre E50. Cette couleur est une base idéale pour la peau. Comme notre personnage a la peau un peu foncée, nous avons rajoutée (sur le E50 encore frais) une petite couche de E11.
Pour des ombres plus nettes, laissez sécher la couleur de base
Lorsque la couleur de base est encore fraiche, la nuance paraît naturelle, ce qui nous permet de créer une peau plus tridimensionnelle. En revanche, lorsque nous avons voulu créer une ombre plus nette, nous avons laissé sécher la base pour rajouter de la couleur. Les feutres Copic sont à base d’alcool, ce qui nous permet d’augmenter la saturation des couleurs en rajoutant des couches (et d’obtenir ainsi des ombres en utilisant toujours la même couleur). Ici, nous avons inséré une pointe de E33 tout de suite nuancée par l’E11 (car le contraste entre la couleur très foncée de l’E33 et celle de la base aurait été trop fort).
Procédez par étapes !
Le visage dans l’image est presque fini, nous ajouterons par la suite une couche d’E00 (couleur très claire) afin de mieux nuancer la couleur vive de la peau et le blanc. Rappelez-vous que la scansion des dessins colorés avec les feutres Copic est souvent moins vive que l’original ; ainsi, il est important de bien saturer l’illustration.
Après la base d’E50, on rajoute de l’E11 pour définir les muscles
Une fois le visage fini, nous avons continué avec le torse, toujours en commençant par une base de blender (dans la photo de gauche vous pouvez voir l’effet de gris sur le torse, mais qui a disparu du visage) et en rajoutant des couches de couleur lorsque la base était encore humide. Cela est d’autant plus important pour les pectoraux, car une ombre nette pourrait paraître étrange.
Les muscles sont définis simplement à travers la couleur
Dans ce cas, il vaut mieux travailler pendant que la base (E50) est encore humide. Ici, la coloration nous permet de ne pas tout marquer à l’encre (définir tous les muscles à la plume rendrait notre personnage un peu exagéré), mais d’obtenir quand-même un effet de relief très important rien qu’avec la couleur.
Pour ajouter une ombre qui se sépare nettement de la base, attendez que cette dernière soit sèche
N’oubliez pas de regarder des images de référence lorsque vous colorez, pour être sûrs de bien placer les ombres. Ici (photo à gauche), nous avons défini les abdominaux hauts simplement avec un contraste d’ombres et lumières. Nous ajouterons par la suite d’autres couches de couleur.
La coloration en trois phases
Pour la fille qui apparaît dans l’illustration, nous avons choisi une autre couleur de base (le E00), car sa peau doit apparaître légèrement plus opaque que celle du garçon.
Avec le blender on nuance une partie de la peau qui s’approchera du blanc
Dans la photo de gauche vous pouvez observer la coloration en trois phases du visage : une fois le blender passé sur la feuille, nous ajoutons une couche claire (E00), puis des touches plus sombres (E11) qui sont tout de suite reprises avec la base claire (E00). Sur la droite, vous pouvez observer comment le blender est utilisé afin de nuancer la couleur de base (E00) avec le blanc. Une fois les couleurs sèches, on verra le rose clair de la peau s’éclairer progressivement.
Vous pouvez rajouter une couche légère de couleur afin d’unir la peau
Nous concluons ici cette première partie du tutoriel, suivez-nous sur la page Facebook de l’Académie pour être au courant de nos mises à jour.
N’hésitez pas à nous envoyer vos résultats afin d’avoir des conseils de nos enseignants et collaborateurs. Amusez-vous bien avec les feutres Copic !
Aujourd’hui nous vous présentons deux produits pour la coloration avec les feutres Copic : il s’agit du papier et des feutres Multiliner.
La finesse de ces feuilles vous permet de voir le brouillon posé en dessous de la feuille
Ce bloc de papier a été spécialement conçu par la société de papeterie Favini pour la coloration avec les feutres Copic. En effet, si la plupart des feuilles pour la coloration sont très épaisses, ce bloc présente 50 feuilles extrêmement fines. Cela vous permet de voir votre dessin et de le calquer directement sur la feuille sans besoin d’utiliser une table lumineuse. La finesse des feuilles n’entrave pas une bonne coloration : contrairement aux feuilles traditionnelles qui présenteraient la même épaisseur, celles-ci ne laissent pas la couleur déborder et vous permettent de colorer en toute tranquillité.
Utilisez les feutres pour votre lineart
En utilisant des feuilles si fines, on n’a pas nécessairement besoin de refaire le dessin au crayon avant de le calquer (mais si vous n’êtes pas sûrs, n’hésitez pas à le faire). Ainsi, on peut passer rapidement à l’utilisation des feutres Multiliner pour rendre la lineart sur la feuille de coloration.
Changez de feutre pour varier le trait de votre dessinLe verso du papier
Ces feutres, de la marque Copic, résistent à l’alcool présent dans les feutres pour la coloration. De plus, ils sont vendus en différentes tailles (les pointes vont de 0.05mm à 1mm) et couleurs (noir, sépia). Ainsi, vous pourrez adapter la taille de la pointe pour effectuer des traits plus fins pour les cheveux et les plis des vêtements et des traits plus épais en correspondance des ombres et des traits principaux.
Le résultat final sera aussi visible dans le verso du papier, ce qui vous permettra de mieux observer d’éventuelles erreurs à corriger.
Afin de réaliser les réflexes avec le fude-pen, on peut faire des traits verticaux du bas vers le haut ou du haut vers le bas. Nous vous conseillons d’essayer dans les deux directions jusqu’à ce que vous trouviez le sens où vous êtes le plus confortables.
Il faut que les traits soient plus épais à la base et plus fins aux extrémités. Une fois que vous aurez réalisé la première partie du réflexe, ce sera suffisant de tourner la feuille et refaire la même chose.
2. Les traits deviennent plus fins3. Tournez la feuille et réalisez les traits dans l’autre sens
Quand vous serez satisfaits du résultat de cet exercice (images 2 et 3), vous pourrez passer aux cheveux de votre personnage.
4. La source de lumière
Tout d’abord, fixez la position de la lumière.
5. Zones claires et sombres.
Ensuite, tracez au crayon les limites des zones qui resteront claires par rapport aux mèches noires. Ainsi, on peut commencer à passer le pinceau du fude-pen sur les parties noires en suivant le sens de la mèche.
6. Attention à la forme des mèches.7. La première zone complétée.
Ne forcez jamais votre main à suivre une direction non naturelle. Au contraire, nous vous conseillons de tourner la feuille jusqu’à ce que vous serez à l’aise. Continuez avec ces traits jusqu’à remplir la partie en bas du réflexe principal que vous avez délimité avec le crayon.
8. On commence à remplir la deuxième zone.9. La partie supérieure.
Ensuite, tournez la feuille et faites la même chose en partant de la première ligne tracée au crayon (image 8).
Remplissez la partie supérieure en laissant quelques mèches blanches.
10. Le Misnon
Complétez la chevelure de cette manière. Une fois l’encre sèche, vous pourrez effacer les traces au crayon et effectuer de petites corrections ou ajouter quelques points de lumière avec le Misnon.
Préparation : Kit aquash, pinceau à eau et lineart
Nous inaugurons la section de coloration de ce blog en vous présentant le kit Aquash de Pentel. Ce kit est composé par 10 pastels aquarellables et un pinceau à eau. Ce produit est facile à utiliser même pour les débutants. Les pastels et le pinceau à eau peuvent être utilisés avec tout outil à base d’eau (crayons, craies, etc.) et ils sont très indiqués pour les colorations mixtes.
L’illustration présentée dans ce tutoriel a été décorée avec un stylo gel blanc et des paillettes dorés.
L’un des aspect les plus intéressants de ces couleurs, c’est qu’ils se mélangent très facilement. Ainsi, il est possible de réaliser des nuances très intéressantes avec seulement quelques gouttes de couleur. Voyons comment faire cela.
Afin de faire sortir l’eau du pinceau, exercez une légère pression sur ce dernier
Une fois la couleur de la peau créée (en mélangeant rouge, orange et jaune), nous l’avons étalée sur la feuille, en nous nous concentrant sur les parties du visage avec des ombres.
Appliquez la couleur directement sur la partie qui vous intéresse. Ensuite, étalez-la
Ensuite, nous avons ajouté directement une pointe de rouge (pour les joues, le nez et les lèvres), en touchant la pointe du pinceau avec le pastel pour que la couleur soit plus intense. Posez la pointe du pinceau sur la feuille et étalez rapidement la couleur, en suivant la forme du visage avec les mouvements de votre main. Ce processus est répété plusieurs fois, en alternant le rose de la peau et le rouge pour créer une nuance plus naturelle.
On ajoute du violet sur la première couche de couleurLa phase finale
Nous avons ajouté des traces de violet aux yeux de ce personnage, bleus avec des reflets
verts d’eau. La couleur se mélange de façon très naturelle avec la couleur de base de l’iris, en créant un joli contraste avec la tonalité dorée des cheveux. Une fois que le violet sera sec, passez à nouveau le vert d’eau de base pour rendre la tonalité plus uniforme. Ensuite, ajoutez des touches bleues foncées vers les cils. Le vert d’eau peut être utilisé aussi à l’extérieur de l’œil, pour créer l’effet translucide de la cornée. Les touches irrégulières insérées dans le décor ont été réalisées en superposant ces deux couleurs aussi, de façon à s’accorder avec le détail de l’iris.
La pointe de taille moyenne d’un pinceau à eau PentelAfin de bien définir les zones les plus foncées, il faut faire plusieurs couches de couleur
Pour les cheveux, dont la couleur dorée est obtenue en mélangeant du jaune et du marron, nous avons d’abord créé les ombres. Seulement dans un deuxième temps nous avons ajouté la couleur de base, plus diluée.
Réalisez vos détails et définissez les mèches directement avec la couleur
Finalement, nous avons passé le pinceau, encore plein de couleur dorée, sur le pastel marron, de façon à en absorber les pigments. Ainsi, nous avons réalisé d’autres mèches et ombres, afin de donner plus de mouvement et profondeur à la chevelure.
Nous avons appliqué le même processus aux cils et sourcils, qui sont donc légèrement plus foncés et qui font ressortir l’expression du personnage.
Une fois les éléments du dessin colorés, il ne nous reste plus qu’à terminer avec les derniers détails et décorations (paillettes, corrections avec les stylos gel blancs et ainsi de suite).
Maintenant il ne vous reste plus qu’à essayer vous-mêmes. Amusez-vous bien et bonne coloration !
L’un des objectifs de ce blog est aussi de présenter des techniques très précises que l’on réalise dans le dessin manga. Voilà donc un effet particulier que l’on peut obtenir avec le fude-pen : les arbres.
4) Créez plusieurs feuilles…5) …des deux côtés des branches
Cet effet peut être obtenu avec tout type de fude-pen, mais ici nous utilisons le fude-pen Pentel qui a une pointe très souple (pinceau), plus flexible que les pointes en feutre.
2) Appuyez un instant3) Et relâchez rapidement
Une fois la structure de l’arbre dessinée, vous allez ajouter les feuilles en appliquant d’abord une légère pression sur la pointe (image 2) et en relâchant rapidement juste après (image 3). Ce mouvement du bas vers le haut permettra de créer une pointe fine et définie qui donnera la forme de votre feuille.
Afin de donner un aspect naturel à votre arbre, n’hésitez pas à superposer plusieurs feuilles et cela en appliquant toujours des mouvements rapides du bas vers le haut. N’oubliez pas de laisser des espaces blancs entre les feuilles pour un effet plus naturel (autrement votre arbre ressemblera à une grosse tâche noire !).
Non seulement il y a plusieurs types de plumes, mais il y a aussi plusieurs marques. Quelles sont les différences ? Comment choisir sa plume ?
Les principales marques présentes dans le commerce sont Tachikawa, Nikko et Zebra. Chaque marque a ses caractéristiques et le même modèle de plume peut changer sensiblement d’un producteur à l’autre (observez par exemple la différence entre une maru-pen de Zebra et une maru-pen de Nikko).
Au niveau de la qualité, les trois se valent.
Quels sont les modèles des plumes ? À quoi servent-elles ?
G-pen
• G-pen : cette plume est utilisée pour les traits principaux (les contours du visage, du corps, etc). Elle est extrêmement flexible et varie selon la pression exercée, ce qui lui permet de créer des traits plus ou moins épais. C’est la plume qui permet de varier le plus les traits, ce qui en fait un outil indispensable.
Maru-pen
• Maru-pen : c’est la plume la plus fine. La finesse de ses traits la rend idéale pour l’encrage des cheveux, des plis des vêtements, des détails, etc. Selon la marque, elle peut avoir une pointe plus ou moins longue : à plus de longueur correspond en général une majeure variation du trait. De plus, il existe une version tank master (Tachikawa et Nikko), avec un réservoir qui permet d’utiliser l’encre plus longtemps (la pointe courte de la plume traditionnelle demandant de changer l’encre assez souvent).
Saji-pen
• Saji-pen : appelée aussi Kabura-pen, cette plume avec une forme de « cuillère » est plus rigide, ce qui permet d’obtenir un trait uniforme plus facilement.
Nihonji
• Nihonji : les traits de cette plume, assez flexible, se situent entre la G-pen et la Maru-pen. Tout comme la School-pen, elle peut substituer l’une des deux autres, mais elle est plus rigide que la G-pen.
School
• School : cette plume produit une variation du trait qui permet de l’utiliser à la place de la G-pen ou de la Maru-pen (selon la main du dessinateur). Sa pointe courte et peu épaisse rend les traits légèrement plus fins par rapport à la Nihonji.
Comment choisir ses plumes ?
Les différentes marques produisent des plumes légèrement différentes, mais égales en termes de qualité. Le choix des plumes dépend donc de la main du dessinateur (légère/lourde) et de ses besoins (faire de longs traits, de traits fins/épais, etc.). De plus, les encres diffèrent aussi selon la marque et le modèle, ce qui permet d’avoir des encres plus ou moins fluides, qui sèchent plus ou moins rapidement, et ainsi de suite. Une plume pourrait vous paraître “mauvaise” tout simplement parce qu’elle est meilleure avec une encre plus fluide.
Kit pour encrer : les 3 plumes de base et le porte-plume
Notre conseil est donc le suivant : pour commencer, testez les trois plumes de base (G-pen, Maru-pen, Saji-pen). Ensuite, essayez aussi la Nihonji et la School pour voir si elles s’adaptent mieux à votre style de dessin.
Si possible, variez aussi les marques (généralement il suffit d’avoir un exemplaire de chaque marque pour se faire une idée du modèle qui mieux s’adapte à votre main). Une fois que vous aurez trouvé vos plumes idéales, vous n’aurez plus besoin de changer de marque ou modèle (sauf évolution de votre style).
Faut-il disposer d’un matériel particulier pour dessiner un manga ? Pourquoi ? Lequel ? Et comment le trouver en dehors du Japon ? Nous essayons ici de répondre de façon concise mais précise à ces questions.
Premièrement, oui, pour dessiner un manga il faut utiliser un matériel précis, car il s’agit d’un art avec des traditions et des règles bien ancrées, notamment au niveau de la technique. Plusieurs contraintes (notamment au niveau économique) font qu’aujourd’hui, en France, cet aspect technique sous sous-estimé et qu’on essaie souvent de substituer le matériel japonais par du matériel européen. Est-ce un problème ? Pourquoi ?
Pour répondre à ces questions, observons les différentes phases de réalisation d’un manga.
Première étape : le croquis
Le brouillon
Quand vous dessinez des croquis, l’important c’est que vous soyez à l’aise. Personne ne vous imposera un crayon 2B plutôt qu’un HB, car cela dépend de votre main (trait lourd/léger, beaucoup de traits/peu de traits, etc.). Vous pouvez utiliser un criterium ou un crayon graphite. Dans notre académie, nous fournissons aux étudiants un criterium tout simplement car il représente un gain de temps et que la mine a toujours la même épaisseur, mais tout étudiant est libre de choisir ce qu’il préfère.
Le papier dépend aussi de vous : des blocs avec des feuilles plus légères vous permettront de calquer les brouillons pour obtenir des dessins plus propres, mais des feuilles plus épaisses sont tout aussi valables. Si vous ne souhaitez pas aller au delà de la feuille et du crayon, le reste de l’article ne vous sera pas utile.
L’encre est un des éléments les plus importants !
L’encrage
Un des éléments principaux dans la technique manga est l’encrage, qui demande l’utilisation d’un matériel précis. En effet, dans le manga on encre à la plume. Ces deux éléments, tout comme le papier qu’on utilise pour les planches et illustrations, sont extrêmement importants. Aucun feutre (pour fin qu’il puisse être) ne vous donnera le même effet qu’une plume pour manga, tout comme aucune plume ou encre pour calligraphie européenne ne seront adaptées.
Pourquoi on ne peut pas substituer ces éléments ? Car ils sont conçus ensemble. Le papier manga a non seulement un format, mais un grammage particulier et il est fait exprès pour que la plume glisse le plus naturellement possible sur sa superficie.
Quel matériel faut-il avoir pour encrer ?
La plume « Maru »
• Les plumes. Il y a dans le commerce plusieurs marques (Nikko, Tachikawa et Zebra étant les principales), proposant chacune différents modèles de plumes. Les trois plumes de base s’appellent « G-pen », « Maru-pen » et « Saji-pen ».
Porte-plume avec support en gomme
• Les porte-plumes. Plusieurs modèles existent aussi pour les porte-plumes : universels, utilisables seulement avec un type de plume (Maru / les autres), avec support en gomme ergonomique, sans support, plus longs, plus fins, plus légers, plus lourds, etc.
L’encre Kuretake Bokujuu
• L’encre. Là aussi, il y a plusieurs marques : Kaimei, Kuretake, Pilot, I-C, etc. L’encre peut avoir une composition différente, être plus ou moins fluide, sécher plus ou moins rapidement, résister à l’eau et/ou à l’alcool, etc.
Papier I-C en format B4
• Le papier. Le papier manga est généralement en format B4 (le format A4 étant utilisé principalement pour les doujinshi). Il a un grammage particulier et des règles en couleur cyan (sauf sur le papier pour illustration) qui disparaissent en photocopie ou scan en noir et blanc.
• Le fude-pen. Ce feutre-pinceau est extrêmement souple et s’utilise pour plusieurs effects de noir (cheveux, armures, arbres, etc). Il existe en différents modèles (rechargeable, non rechargeable, avec pointe fine ou plus épaisse).
L’application des trames
Une fois les planches encrées, il est temps d’appliquer les trames. Les trames japonaises (dont les marques de bonne qualité sont I-C et Maxon, Deleter étant une marque pas chère mais avec une qualité nettement inférieure) sont constituées d’une feuille adhésive avec une trame imprimée dessus. Ces feuilles peuvent être appliquées et enlevées et servent à rendre les ombres, les textures des vêtements, plusieurs effets et aussi des décors. Le nombre et type de trames utilisées dans un manga dépendent de plusieurs facteurs que nous analyserons dans un prochain article.
Les feutres Copic sont très utilisés pour la coloration
La coloration
Il s’agit là du domaine le plus ouvert dans la technique manga. Chaque auteur a ses préférences, mais tous mélangent plusieurs outils dans la création de leurs illustrations, afin d’obtenir le meilleur résultat possible. Une des techniques de coloration les plus utilisées est la coloration avec des feutres (notamment les feutres Copic), mais plusieurs artistes utilisent aussi des aquarelles, des crayons ou des pastels.
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Pour résumer, quel matériel faut-il avoir pour dessiner un manga ?
Cela dépend de vos besoins. Si vous ne souhaitez dessiner que des brouillons ou des linearts au crayon, pas la peine d’acheter du matériel japonais. Si vous voulez aller plus loin, vous aurez besoin d’un petit set : plume, porte-plume et encre. Vous pouvez d’abord vous exercer sur du papier normal et ensuite passer au papier manga. Si vous voulez faire des planches, vous pourrez ensuite les enrichir avec des trames. Pour la coloration, plusieurs possibilités s’offrent à vous.
Où trouver ce matériel en France ?
Plusieurs magasins d’art essaient de proposer du matériel japonais, mais ce n’est pas toujours facile de trouver ce dont on a besoin, surtout dans les petites villes. C’est pourquoi notre Académie a créé Manga Tools, un site internet sur lequel vous trouverez tout le matériel de base dont vous aurez besoin, importé directement du Japon. Le site est mis à jour constamment afin de vous proposer une gamme d’outils de plus en plus vaste.
Nous vous souhaitons la bienvenue sur le blog de Manga Tools. Le blog sera mis à jour régulièrement pour vous présenter du matériel, des techniques de dessin et pour répondre à vos questions. N’hésitez pas à laisser des commentaires, à nous faire des propositions et à nous poser vos questions.
